夏花中让萧寒当人体画板是第几集？
夏花中让萧寒当人体画板是第几集？
《夏花中让萧寒当人体画板》是第六集。在这一集中，萧寒的身体成为一位画家的画板，被用来绘制人体画。这一集展现了人体艺术的美感和艺术家对人体的创作灵感。
通过细腻的笔触和精湛的技艺，画家在萧寒的身体上创作出令人惊叹的画作，展现了人体的美丽和魅力。同时，这也引发了观众对于艺术和人体美的思考和探索。这一集通过艺术的表现形式，向观众传递了对于身体美的独特理解和诠释。
关于电视剧《夏花》中让萧寒当人体画板的具体集数，根据提供的参考信息，这一情节出现在该剧的第10集。在这一集中，何冉为了完成自己的艺术创作，请求萧寒担任人体模特。经过一番劝说，萧寒最终同意了何冉的请求，并在她的手臂和背部为她作画。两人在这个过程中建立了深厚的感情，并通过艺术的纽带更加紧密地联系在一起。
人体艺术为什么不能大众化？是它的文化内涵不够深吗？
我们说，文化是艺术的根。任何一种艺术都有它产生发展的文化历史背景和文化氛围环境。
人体艺术发端于2500多年前的古希腊时期，当时人们有对人体崇尚的文化习俗，遂以雕塑的形式将人体表现出来，形成早期的人体艺术。随后在经历了黑暗漫长的中世纪，随着生产力生产关系的改变，饱受封建宗教神学禁锢压抑的欧洲出现了文艺复兴的曙光。艺术家们以宣扬人是世界的主宰为主旨，以复兴古希腊古罗马文化艺术为口号，以古希腊神话中诸神的故事为题材，以人体油画雕塑为表现形式，深刻地揭示人文主义精神，推崇人性解放，文艺复兴成为欧洲近代史上具有里程碑意义的思想启蒙运动。
有古希腊的文化渊源，经过文艺复兴的洗礼，至十九世纪，人体艺术从表现“神”到表现人，从宗教题材到历史题材平民题材，形成系统的理论体系，列入官办的美术课程，为广大民众所普遍接受，成为西方的一种文化现象和重要的艺术表现形式。应该说，人体艺术在西方早已走向大众化。
人体艺术传入中国将近百年，由于东西方传统文化的差异，其发展经历了一个艰难坎坷砥砺前行的过程，取得了非常大的进步。虽然说还存有争议，但与一百年前几十年前的情况已不可同日而语。
美的艺术终归是会被人们所理解所接受的。随着东西方文化的日益交流融合，随着人们审美观念的不断改变，现在接受和喜欢人体艺术的人们越来越多，已呈现出走向大众化的趋势。可以预见，在不远的将来，人体艺术一定会走向大众化。
人体艺术不但外表形象美，而且文化内涵很深，具有艺术性的审美理想。人体艺术外表为裸体，使大众很难接受。这主要是大众受风俗习惯、文化素质、艺术修养等影响，使人体艺术不能成为大众化。
人体艺术是以人体为模特而塑造形象的审美艺术性。人体艺术是美感的艺术魅力感染着人们的审美情感，使人们从认识到欣赏人体艺术并受到了启蒙教育。人体艺术从朦胧的感觉到心灵的感悟，促使人们思想观念的解放，认识到什么真、善、美；什么是假、恶、丑，正确地认识人体艺术的形象美。
人体艺术可分为绘画、雕塑、摄影等形式。随着时代的发展，科学技术进步，还会出现很多人体艺术形式。这就要求大众改变思想观念，不断地适应、学习对人体艺术欣赏实践活动，提高自己对人体艺术欣赏的审美情趣性。
其实人体艺术在中国早已大众化。只要看看头条上发表的人体艺术作品有多少，这些作品的发布有没有受到抵制，就可以看出它是不是为大众所接受了。张筱雨不但作品销量大， 而且在公众场合照样有很多拥趸，也可以看出人体模特不再“见不得人”。
中国有中国的国情，视人体艺术为淫秽的年月，离现在还不到一百年。因此那种旧观念还制约着相当一部分人，一般不愿在大庭广众之间公开谈论，在长辈和尊者面前避免谈起....只能说是旧观念影响尚存。其实，即使在美国，在公众场合也不会公然看人体作品的。所以，在公众场合不常见，并不证明其没有大众化。
人体艺术在国外，尤其西方国家非常大众化，已经变成人们生活的一部分，人们无时不刻享受着这些作品的熏陶和影响。像世界三大人体雕塑，古希腊的《断臂的维纳斯》、米开朗基罗的《大卫》，罗丹的《思想者》，在西方国家的公共场所，如城市广场，市政大厅门口，图书馆门口，公园等随处可见，人们看到它们都习以为常。
罗丹《思想者》
而在国内，许多人谈起人体艺术总是羞羞答答，面对人体艺术，欣赏的不是艺术的圣洁之美，而是为了满足某种偷窥欲。即使一个策展人要组织一场关于人体艺术的展览，需要办理许多手续，这无疑就限制了人体艺术在国内的普及。
根本原因是文化观念相差太大。
查兹卡《维纳斯与丘比特和仆人在花园》
古希腊人崇尚自然美和原始美，并且具有鲜明的英雄主义情结，健壮、刚强、高大，霸气、勇敢、坚韧的男性，在他们眼里，历来是完美男人的代表。因此，雕塑家就喜欢给男性雕塑作品赋予健壮的躯体，饱满的肌肉，流畅的线条，精确而逼真的造型感，来凸显男性的这种精神品质。像《大卫》和《思想者》都是按照这种审美理解来创造出来的。
约翰格维得《梳妆的贵妇》
对女性美的理解，古希腊人实际上跟东方人一样，身材比例匀称协调，身体凹凸有致，容貌精致端正的女性，往往是美丽女性的代表。要表现女性的这些美好气质，就必须刻画裸身才能更好地展现，因此，艺术家为忠于艺术审美原则，就创作出大量关于女性的人体艺术，旨在表现女性的阴柔美。
提香《公爵夫人》
人体雕塑经过多年发展和成熟，确立了审美标准后，在后来的油画、素描、摄影和彩绘等艺术门类上，艺术家传承了人体雕塑的审美标准，所以就诞生了人体油画，人体素描，人体摄影，人体彩绘等形式各异，但艺术趣味相同的人体艺术，成为人类宝贵的文化财富。
贝尼尼《大卫》
人体艺术在文化内涵上的深刻性是不容置疑的，除过展现男性与女性与生俱来的自然之美外，还在极力表达人类如何认识自我，如何认识人与自然与社会与历史之间的关系，更重要的是，通过人体艺术还可以展现不同时代的人文精神，引领思想启蒙。
因为每幅人体艺术背后都有一个故事，或者是神话故事和宗教故事，或者是历史故事，通过这些故事，完全能了解到人类的文明进程。
我认为人体艺术已经很大众化了呀！文化内涵也足够深。
为何这么说呢？
人体艺术不完全等同于裸体艺术
题主的这个问题是关于“人体艺术”，但我看了许多答友的回复，发现大多都把人体艺术狭义地理解啦，即以人的裸体作为表现对象的绘画、雕塑、行为艺术等静态的造型艺术。
其实“人体艺术”不完全等于裸体艺术，尽管它包含了裸体艺术，但它的内涵和外延都要比裸体艺术广泛得多。
人体艺术包含在许多大众喜闻乐见的文化、艺术、体育形式中
人体艺术是一种以人体为媒介，以认识美、探索美、表现美、和谐美为宗旨的一个自我发现和使人愉悦的过程和行为。
日常为我们熟知的如舞蹈、水上舞蹈、冰上舞蹈、人体绘画、人体雕塑、人体摄影、艺术体操、健美操、健身操、等都是人体艺术的范畴。
优秀的人体艺术被赋予了深刻的文化内涵，雅俗共赏是其最大的特点
因此，展示人体美，既可以是不同造型的静态美，也可以是运动中的动态美；既可以是裸体的原始美，也可以是非裸体的装饰美；既可以是纯表现人体的情色美，也可以是含有人体元素的情节美；既可以是表现健壮的英雄气概，也可以表现爱恨情仇的人性美。
所以我认为，人体艺术在我们这个文明开放的时代，已经非常大众化，并且具有广泛而深刻的内涵，深受各阶层民众的欢迎和喜爱。
艺术是自然形成的，它本身就存在生命和价值，而不是人赋予它生命和价值，这也是艺术让人感到神秘的原因，人类的生命与智慧是个进化的过程，所以人们认为人体艺术既是最伟大神圣，又低俗色情的艺术，那么，人体艺术为什么不能大众化？是它的文化内涵不够深吗？
人体艺术不能大众化，是它的文化内涵不够深
我始终这么认为，人体艺术只有在欧洲文艺复兴时期才有意义价值，其他时期的人体艺术意义价值不大，充其量就是用作于欣赏而已，为什么这么说呢？原因很简单，人体艺术赤裸裸的形式，带给人的就是视觉上的享受，引发生理心理上的享受，它是用来证明人性的欲望，
之所以人体艺术不能大众化，是因为人体艺术的文化内涵不够深，它只适合在特殊的时期、环境下存在，比如，人性欲望被神学思想禁锢的欧洲文艺复兴时期，人们都认为自己是神的子女，已忘了自己是人的后代了，不知道自己是怎么来到这世界的，而赤裸裸的人体艺术，可以让人们寻找回人性的欲望，及了解人的身体结构，生命的起源，
所以欧洲文艺复兴时期被后人看作是西方人类文明的新生，当然了，人体艺术也在文艺复兴时期完成了它的使命，复兴“人文主义”的使命；人体艺术不能大众化，也没有大众化，依旧是遮遮掩掩，没有从孩子的艺术教育中普及，就因为人体艺术的文化内涵不够深，甚至可以认为没有文化内涵，只是艺术而已，
我们可以试想一下，如果赤裸裸的人体艺术大众化的话，会造成什么样的影响？也就意味着无论小孩，还是成年人，随处都可见赤裸裸的女性或男性人体画了，这才叫大众化，说人体艺术有文化内涵，那是否要将这种“赤身裸体”的装扮看成是一种文明呢？那简直迂腐可笑至极！要知道，任何艺术都是要起启迪教育的作用，然而，人体艺术只是告诉人们：人的身体长什么样子，人的生理心理欲望是怎么一回事，除此之外，毫无意义；然而，这些都可以无师自通，也就是说，没有所谓赤裸裸的人体艺术，人们也会懂得身体的样子、生理心理的欲望，又何必大众化呢？又怎会可能大众化呢？
如何评价法国油画艺术大师安格尔的油画《大宫女》的画风？
我是西南小表哥，很高兴回答这个问题。
安格尔穷其一生都在努力探寻迷人的形式，这种接近固执的追求，虽然被很多同时代的人批判和不解，但他致力把古 典美和自然美溶为一体。他肯定的说:“风格只能寓于自然， 我断言，风格就是自然。”他说:“要把美隐藏在真实之中。古 典希腊罗马的大师决不是创造什么，应该说他们看见了什么， 并探悉了什么。”他也很成功地将形式美的法则体现在他的作 品中，这幅《大宫女》表现了女性背部生动的整体美，画家用 不同的质感的帷幕和褥巾衬托出女人体的整体感和细腻柔和 的肤色。它并不借助与色彩的刺激，它让我们看到，安格尔追 求的古典美是将自然形象与古典形象相结合，从而将自然形 象提炼纯化的结果。他认为美必须是某种的的，简洁和连续 的东西，事实上，《大浴女》便有可以与古希腊作品相媲美的 富有灵感的简练与充实。
评价法国油画艺术大师安格尔的油画《大宫女》的画风
艺术大师安格尔是1814年创作完成的这幅油画作品的，与他笔下其它同题材的作品有着明显的不同。《大宫女》这幅作品格调独特，有着浓郁的异国风韵和精细的装饰性的考量。无论是色彩还是人体比例，都在不遗余力的追求完美，致使与传统的古典主义艺术规则有所冲突。
安格尔的《大宫女》人体体型如同几何形体，有违现实当中女性的身材比例，这与传统写实性的西方油画规则产生冲突。但是这种夸张的比例很容易吸引视觉上的关注，而且背景的蓝色和宫女身体的颜色也十分的不和谐，这种色彩的失衡和比例失调的人体形象，可能就代表着属于安格尔独有的审美观点和艺术表达的语言
安格尔创作的《大宫女》，将画中人命名为格兰德·欧达丽思克，在画中，她侧卧在极为华丽的东方毛毯上，她脱去的身上的衣物和珠宝，以装饰性极强的构图形式散布在身体周围。袅袅的氤氲以及水烟、香炉等各种各样的小物件，表明这是后宫场所。
宫女将自己柔美的背部对着观赏者，而她自己则越过肩膀向观赏者投去了冷峻而又十分超然的目光。安格尔在背部的处理上十分夸张，宫女背部的脊椎骨比正常人多出了三节，这种方式拉长了背部，但能使宫女背部曲线更加柔美，更显得女子的柔美妖娆。
画中人物形象并没有明显的奥斯曼土耳其人的特征，而是继承了拉斐尔的人物塑造美学风格，宫女的头发从中间分开，头上点缀着意大利风格的发饰。这种刺绣的风格，以及带有垂穗的饰物，有着明显的威尼斯风格。她的头巾是将丝绸制作的方巾卷成筒状，然后再将头发包卷起来，现实中这是无法办到的。但是这种异国风情的展现，让整个女性人体的轮廓更显柔美，并附有一定的力量感。
画面中的宫女，持扇的右手，完全没有看到腕骨的结构，这与现实有很大区别，安格尔用几支粗的金手镯来掩饰手腕与手背的连接，这样使整体线条柔和流畅，富有美感。
安格尔创作的《大宫女》运用了充满冲突的色彩，以及超乎想象的非写实人体结构，使得作品给我们带来极大的视觉冲击。他的这种艺术风格和绘画语言对后来的新古典主义绘画艺术的崛起，起到了非常大的推动作用。
共同的视角，相通的视界，我是魔韵，欢迎同道互动交流。
安格尔，法国十九世纪著名的新古典主义的旗手，他崇拜希腊和罗马的古典主义艺术，他的偶像是拉斐尔，他从拉斐尔那里学到了对女性l体的传神描绘，加上他精准的造型和素描，对构图的把握更是得心应手。
《大宫女》是安格尔的代表作之一，创作于1814年，是拿破仑的妹妹定制的，我们看到的是土耳其宫女的背部，宫女温柔的眼神看着远方，整体看，宫女身材丰满，微黄的肤色与蓝色的枕头呈对比色，左胳膊的造型成三角形，右臂留出月形的缝隙，整体构图堪称完美。
也曾经有评论家质疑宫女的身材和造型，比如人物的腿画得太长，从解剖学的角度看人物的脊椎有问题等等，一件艺术品完全地符合科学的严谨有可能就没那么打动人了，就如安格尔自己说的，“假如我必须熟记解剖学，我就不会成为画家了”。
开头我说过这幅画是拿破仑的妹妹定制的，可是最后她并没有得到，在画展结束以后这幅画落到普诺夏王室的手里，目前藏于巴黎卢浮宫。
图1，安格尔的自画像。
图2，挂在罗浮宫墙上的《大宫女》。
图3，安格尔的素描。
感谢您的问题：首先介绍下安格尔：
让-奥古斯特-多米尼克·安格尔（Jean-Auguste-Dominique ingres，1780—1867）法国画家。自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，大卫正担任拿破仑的首席画师。1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。新古典主义画家、美学理论家和教育家。
然后：关于奥古斯特-多米尼克·安格尔的画作《大宫女》分析
大宫女 法国 安格尔 布上油画 纵91×横162厘米 巴黎卢浮宫藏
十九世纪初，法国的上层贵族阶级对东方土耳其的宫廷生活产生了浓厚的兴趣，这一幅《大宫女》正式安格尔为了满足那些达官贵族的视觉需要而进行创作的，这幅作品在巴黎展出时由于与如火如荼的革命运动想违背，没有引发人们的兴趣。
此幅土耳其宫女图是画家应拿破仑的妹妹，即那不勒斯王国的王妃卡洛琳·摩拉的订购而创作的。这幅画所追 求的是以女性裸体来表现女性身上一切可能出现的形态美。画中全裸的大宫女斜倚着靠垫横贯画面，在华丽的帷幕 和褥单的衬托下，显得典雅迷人。画家很强调女性身躯的优美曲线，为了表示这种美，他刻意拉长宫女的手臂和躯干。
这幅《大宫女》中描绘了具有强烈东方情调的土耳其闺房生活：一位全身裸露的宫女侧卧在华丽的床上，弯曲成优美弧度的背部完全暴露在人们面前，形成一种怪异的美感。画面中最引人注目的是宫女的裸体。这是一个完全不符合实际的夸张了的形体，脊柱被加长了。有一位批评家提出“多了三块脊骨”，但是正是这种“没有骨头”的变体增强了棵体特有的妩媚感。宫女的手臂也不符合解剖构造原理，粗细一致的拉长，与脊柱、腰身相互呼应，减轻了立体感。饱满浑则的乳房、扭曲的脚……所有的一切形成了一种韵律感，人们的视线全被吸引到宫女柔软优美的背部，营造出一种神秘的气氛。与抽象的人体不同，画面的背景采用了写实主义手法。这种真实的情境的描绘，增加了画面的说服力，使人们产生似梦非梦的幻觉。整个画面的色彩非常大胆，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不协调，似是却有其自身的节奏感。这幅画中，安格尔为了营造出宫女整体曲线的美感与节奏感，对形体进行了抽象变形，而且这种对美的迫求不仅没有减弱画面整体的真实感，反而在画面上创造出一种神秘、典雅和抒情诗般的意境。
1899年，巴黎卢浮宫绘画部获得《大宫女》。 安格尔绘画是有缺陷的，但在这幅画中还不明显，这幅画作为裸体艺术不仅是安格尔的优秀作品，而且也是近代裸体艺术的杰出代表之一。 安格尔《大宫女》完美的画面深深地打动了后来一位名叫尚·弗雷德里克·路易的画家，他在1837年遣访了君士坦丁堡（现在的伊斯坦布尔），后前往开罗并在那儿居住了10年之久。路易以魅惑的笔触描绘了如镶嵌珠宝般色彩缤纷的后宫情景，以及穿着东洋服饰忧郁地躺在精细格窗前的女性姿态。 约1840年，清代外销画家林呱对《大宫女》进行了临摹，但构图与原作相反，自铜版画拷贝到画布上，然后自行设色绘制。 1969年，波普艺术家罗伯特·罗申伯格（Robert Rauschenberg）为纽约大都会博物馆百年诞辰复制了一张安格尔的《大宫女》。
法国油画大师安格尔（1780～1867年），他的油画作品大多是描绘女性人体视觉效果的艺术美感，对女性柔美的神态是安格尔艺术风格的体现。女性人体艺术美用油画作品来表现，是安格尔一生所钟爱的题材，他创作的描绘女性之美的油画作品，达到了当时画坛中最高的艺术境界。
一、《大宫女》是法国是法国油画大师安格尔于1814年创作的一幅油画，现收藏于巴黎卢浮宫。该画作尊崇严谨的古典风格，以头包土耳其头巾、手拿孔雀羽扇皇室宫女为主题，整幅画面散发着柔美深情的异国情调。
二、《大宫女》画面描绘了一个裸体的东方土耳其宫女形象。画土耳其女性裸体形象，是当时法国上层流行的审美需要。画中的土耳其宫女，背朝画面躺在柔软的绵垫子上。她把左腿放在右腿上，面朝画外，头上裹着土耳其式头巾，五官端庄优美，眼睛中有一丝温柔而妩媚的神韵，让人们在欣赏中感应到女性美的艺术享受。
三、画面中的宫女肌肤光滑而富有弹性，身材丰满、修长，滚圆的右胳膊放在身上，右手拿着一把古典的孔雀毛扇子。画中大宫女身下蓝色的枕头、白黄色的床布与她黄色的皮肤形成了鲜明的对照。这幅画的构图很特别，画面上大宫女支起的左胳膊留出的三角形空问以及右臂在身体上留出的月形缝隙，描绘出女性魅力无限性的审美理想。
法国油画艺术大师安格尔的油画《大宫女》
安格尔（1780～1867年）是法国新古典主义风格卓越的继承者，他擅长描绘肖像画及女性裸体之美，对女性美的深刻体会是安格尔不断的创作泉源，安格尔对绘画的要求一丝不苟，非常擅于运用色调、背景、构图来营造画中女人的独特神采，比如，画作《大宫女》，
法国油画艺术大师安格尔的油画《大宫女》属于崇尚理性的“新古典主义”画风，这幅画具有东方异域情调，画中的女模特媚惑的躯体横卧在昂贵的天鹅绒上，迷蒙的水烟在绫罗被褥间袅袅升起，拥有西方血统的女模特（土耳其国王苏丹的爱妃）皮肤白皙，眼神流露出几许乡愁……，
安格尔作品《大宫女》
要注意的是，安格尔是凭借想象画出居住在与世隔绝的异国深宫中，神秘的宫女（土耳其国王的爱妃），安格尔在创作时大胆地改造了人体结构，画了无骨的右手腕和多余的三节脊椎骨，宫女颀长的背部不符合人体解剖学，从而被认为不能算是严肃崇高的画作，
虽然安格尔的《大宫女》在当时受到诸多争议，但最终也被收藏在巴黎卢浮宫；事实上，安格尔在创作时一直坚信素描的地位高于色彩，非常注重对形的追求，他大胆地改造了人体结构，这是对“艺术效果”进行夸张，具备审美能力的人，都会认为安格尔的《大宫女》具有“东方美”。
老同学聚会时，一位女同学当众撩衣喂孩子，男生该当作没看见吗？
当着众人给孩子喂奶 ，说明这个女人心无杂念 ，从古至今 妈妈给孩子喂奶 ，是一个值得尊敬而且很正常的举动 ，如果这样你都看不下去 说明你就是一个坏人
现在的老同学可不是当年的小同学了！都是历经磨难苍桑的人了。当年的男生也是当爹的人啊，没有什么大惊小怪的。坦荡相对吧。
鲁迅先生曾说过，饮食并非不净……我说生孩并不可耻，为什么喂孩子却要背人？男人有许多应该做到的事，可惜并不是所有的男人都能为了义务而尽到君子的责任；男人有许多不应该做的事，可是却有很多道貌岸然的男人宁肯遭受道德上的谴责——义无反顾的去承受法律制裁的小人……
人与路，同一顶苍穹！但每个人走的路却是千奇百怪！小心脚下的路，那崖上崖下仅仅相差一步……
我是直言不讳的一凡，感谢你的关注！
同学娶会，一位女同学带了婴儿参加，婴儿饿了啼哭女同学撩衣就喂孩子，这是做妈妈的最正常不过的动作呀，没什么大惊小怪的。
以前别说是农村，就是在车船上都是很常见的亊。再说我们大家不都是靠母乳养大的吗？这更说明了母爱的伟大，这位女同学应受到尊重。
至于题主问：我们男同学该当作没看见吗？问得真莫名其妙。我倒要问：你们若不是当作没看见，难道要去看看清楚再大肆宣传吗？
这没有什么值得大惊小怪的事情，人是哺乳动物，给小孩喂奶是十分而又十分正常的事情。可以这样说，如果这女同学不是喂奶而有意撩衣露奶，实属不正常的举动；如果男同学无意看到女同学撩衣喂奶，实属再正常不过的事。假若（我说的是假设）有个同学两眼直勾勾地老盯着人家撩衣喂奶，那就可以说这个男生有点问题了，至少可以说有点立心不轨。记住，女人的奶房是人体的器官之一，沒有什么值得新奇的。记得我们这里的老女人曾说过一句：还未生小孩的女人的奶房是金奶房银奶房；生了小孩的女人就变成猪奶房牛奶房了。这句极端朴素的俗话的意思是说，女人在未生小孩时对自己的前胸是非常注重的，总是裹得严严的，不肯轻易暴露给人家看的。但生了小孩后，由于要给孩子喂奶的需要，有时是不去讲究地点场合的。其实：遇到这种场合时，你心里不去往邪处想，完全是沒事的。
母喂婴奶必漏乳，天经地义。当男人看见，应思己婴儿时母亲的伟大。婴儿无乳必饿死！母乳是生命之源。不能有其它的想法，（真正的君子修养是从性开始）。
你是否被西方艺术大师波提切利的油画作品《春》深深的吸引呢？
很高兴回答你的问题。
波提切利作为意大利文艺复兴早期的代表人物，他的画作历来都受人推崇。在他的众多画作中，《春》至今仍是佛罗伦萨、意大利乃至全人类的骄傲。那这幅波提切利专门为佛罗伦萨一位贵族宅邸所画的作品到底好在哪里呢？
一、构图的别具一格
如果你细心观察画作中的树和人，你会发现动静结合的手法被波提切利诠释得淋漓尽致。为了表现春的生机盎然，画家将前景中站立的人物，都做了曲线化的处理，而背景中，或粗或细的树干均是笔直的挺立。曲线与直线的互补，让画面呈现出无与伦比的协调感，静中有动的春景，就在画家曲直有度的勾勒中，呈现在观众的面前。
在色彩的选择上，画家也没有选择明亮的春景，取而代之的是暗色调的一以贯之。显然作者并不是想要体现空间的纵深感，有意地忽视远近、虚实，让这幅画作不再受到“透视技法”的约束。这样，人与树灵动优美的外形就被最大程度地展现了出来。
二、细节的着力刻画
在细节的表现方面，画家对线条的极致运用，让画作里的女性人物栩栩如生。观众不仅能清晰地看到她们动感线条和圆滑形体的完美结合，就连卷发和衣纹布褶也都清晰可见。在尽力写实的基础上，人物们拉长的脖子、夸张的手势又让画作多了一层难能可贵的诗意。
这幅作品虽为油画，但为了让细节更加逼真，波提切利大胆采用了传统的蛋清画法。由于蛋清干后会形成透明坚硬的一层颜色，所以纯净华贵之感也便直面而来。而用这种接近于水彩画的效果，来展现春的典雅多姿，真是再合适不过了。
三、主题的鲜活表达
春回大地、万象更新，是表现春天之美的永恒主题。波提切利在着力把大自然的奇迹展现在人们面前时，还赋予了它新的意义。我们看到，画家笔下的人物在迎接春天时，欢乐与忧愁是并存的。在乍暖还寒的季节中，对罗马神话中唤醒春天诸神形象的描绘怎可流于表面。含蓄多重的表达，让人性之美最大程度地表现了出来。
而最值得称道的是，这种飘逸、含蓄的表达，与我们东方人的审美又是何等的相像，所以这幅画作，不但受到了西方人的热捧，也总能让东方人津津乐道。鲜活的颂春主题，被含蓄典雅的表达出来，是那样的独特，也许这就是这幅画作能在世界美术史上占据一席之地的重要原因吧。
画作的成功，是波提切利坚守自己的最直接表现。他不拘泥于油画的技法和用料，还能把西方严谨细腻的绘画风格与东方洒脱含蓄的绘画理念完美地融合。他强烈地喜爱着自己的这幅画作，就像他塑造的女神群像一样，那里面也一定有着画家自己最真实的喜怒哀乐。
希望我的答案能帮助到你！
（原创）
波提切利，是文艺复兴时期佛罗伦萨画派最重要的意大利画家之一，有着独特的个人风格，其作品人物优雅，线条流畅，细节精致，带有淡淡的忧伤，美伦无比，在西方绘画史上有着独特的艺术地位，而《春》就是他杰出的代表作。
《春》是用坦培拉绘制的木板蛋彩画作品。波提切利将永恒的春天描绘出来，画里的“欢悦”“贞淑”“华美”三位女神，沐浴在春天和昫的阳光里，舞动着春天彩霞般的轻纱，手拉手在翩翩起舞，分别象征着青春、美丽和欢乐。整幅画面洋溢着春天的迷人气息，构思奇特，色彩丰富，不失飘逸和沉稳之风格，是一曲春光璀璨热情奔放的交响乐，是对春天的无限赞美，是对女神的圣洁呈现！给观众带来的是无尽春色满园的艺术享受，让人们深深的感知勃勃生机春天的来临，更是预示着一个新的开始。
春天、美丽和爱情，是人类历史文明永恒歌颂的三大主题。《春》的迷人之处在于艺术家用静谧的氛围、优美的线条将女性的阴柔之美渲染得精美绝伦；而画中丘比特之箭的表现就是一首讴歌爱的赞美诗。这种不是宗教画，却采用了宗教的表现手法，其艺术想象力和创造力真可谓是史无前例，精心打造。
应该指出，欧洲文艺复兴时期提倡的是“人文主义”，而意大利画家波提切利的这幅画作《春》正是创作于欧洲文艺复兴时期的艺术产物，因为在那个时期几乎所有艺术家的画作都是和庄严压抑的宗教题材有关，解读的都是“神人合一”的精神，而波提切利此画则是“冲破思想的牢笼”，大胆的将作品与“人文主义”也就是“人与自然”最佳结合的经典之作！
诚实的说，西方艺术大师波提切利的油画作品《春》的确深深的吸引和折服了我，因为大师的油画艺术不仅精美绝伦，独一无二的无可复制，重要的大师不走常人的艺术创作之路，而是独辟蹊径，大胆创新，开创了一个前无古人后无来者的艺术创作的崭新天地！使人叹为观止的更是大师画作《春》的构思严谨，意境深邃，通明透彻，把宇宙境界与艺术意境浑然一体，是一种人的心灵的生命律动，更是人类对“春”的无限遐思的美好向往和灿烂憧憬的深刻表达！谁能说这种崇高的精神境界和艺术境界怎么能不被人深深的吸引和感动呢？！
谢邀！试着回答吧！
《春》是用坦培拉绘制的木板蛋彩画作品，现藏于意大利佛罗伦萨乌菲兹齐美术馆。1476-1480年间为一位贵族宅邸所作。波提切利将永恒的春天描绘出来，画面轻快而优美，运用绘画技巧，富裕音乐般的优雅神韵。
森林边的三位女神，正沐浴阳光里，互相携手翩翩起舞。右边的象征青春，中间的代表美丽，左边的象征欢乐。整幅画面充满着春天的洋溢，色彩丰富而沉稳，线条流畅而飘逸。色调高高低低跌宕起伏，犹如一曲交响乐回荡在观众的耳边，让我们感知重返勃勃生机的春天就要来临了，预示着一个新的开始。一幅《春》不光带给我们的是视觉上的享受，更是思想境界上的激情和向往，激发我们一年之计在于春，奋发图强，用辛勤的劳动和汗水，去换取不朽的青春、美丽和欢乐。
在欢愉中隐现的阴郁——解读波提切利的经典油画作品《春》
波提切利受古希腊文化的影响，根据波利齐亚诺的寓言诗《竞技》中的意境为思路，以洛伦佐宴会上舞女的表演形象为母本，创作了这幅久负盛名的绘画作品《春》。
波提切利的《春》给人的感觉无疑是惊艳的，画中充满了华美的装饰味道，这位天才的绘画大师，把具体的情节仅仅当作了一种辅助的手段，并利用这些来表现自己的想象和内心的意境，对素材大胆的取舍和重新组合，我们仔细地观赏、细细地品味，在他的这幅洋溢着满目欢乐祥和氛围的作品里，竟有另一种截然不同的意味和某种神秘的色彩。
且不谈波提切利在创作中的技法运用，只结合对画面的观感来表达一下个人的粗浅感受：
一、表面的欢愉
初看整个画面，一派欢乐祥和的气氛，仿佛每一个人物形象都在因为春的到来而欢呼雀跃。画面中在众神中央的是维纳斯女神，形象端庄秀丽，手势造型含蓄，好像在昭示春天的进程，意味着把美带到了人间；
右边是头戴花冠已经完全化身为花神的泊尔塞福涅，风姿绰约，楚楚动人，左手抱着花裙里的花朵，右手不断地将花瓣撒向大地，体现出她对人间的关爱，仿佛人间充满了花香袅拂；
花神后面半人半神的克罗瑞斯美女，似乎正在极力挣脱风神的拥抱向前奔跑，表现出正要转变成花神的一瞬间的情形，口中吐出的岚气立刻变成了鲜花，以此借喻初春的来临；
在维纳斯左边，美惠三女神正在风中曼舞，形态优美雅致，沉浸在欢愉之中，全然不知维纳斯头上蒙着眼睛的丘比特正搭起爱情之箭，准备射向她们；
最左侧的年轻俊美的信使墨丘利正在打开众神通往人间的道路，将人类的理想和希望升华。
二、隐现的阴郁
我们如果再仔细、深入地看看这些人物的神情和姿态，越看越让人有种高兴不起来的阴郁氛围笼罩着整个画面，你看维纳斯若有所思，旁若无人，仿佛沉浸在自己的内心世界里，带着淡淡的忧郁，似乎对这个世界并无太多热情，甚至还有一丝惆怅和不安；
美惠三女神似乎也是受命起舞，并无发自心底的那种欢愉，虽然衣着华丽，但是从发式到体态无不散发着慵懒的神情，颇有逢场作戏的意味；
被风神追逐的美女神情也是惊恐万状，脸上的表情因此还有些扭曲，那是一种发自内心的恐惧神态；
看墨丘利的神态和形体的刻画，明显流露出一种敷衍的神情；
唯一没有阴郁感觉的是花神的面部表情，但从小腹微微隆起的身形来看，她似乎已有身孕，那种表情似乎是因为自己体内孕育的生命而流露出的母性的那种安详神情。
细品之下，整个画面没有欢乐的气氛反而笼罩着一层春寒和惆怅。那些貌似美艳、庄重的形象，似乎隐藏着一种莫名的忧伤和迷茫。尤其是暗褐色和金色的背景更加深化了整幅画面华丽而又阴郁的味道。
看到画面中的这种种表现，不免会让让人感到疑惑，这可能是当时年迈的波提切利抱病奉命作画内心的一种折射，因此产生的纠结的情绪以及内心的忧郁和迷茫在创作中表现了出来，亦或是画家本人有更深的隐含的寓意？
结语
总之，这幅作品优美的线条、诗意的韵味让我们感受到了那种内在美与外在美的和谐统一，充满了婉约、柔和的优雅美感，同时在形象刻画上能让我们体会出人物复杂的内心世界和微妙的情感变化，尤其画面中那种优雅和忧郁的氛围更加让人回味无穷、浮想联翩，也可能正因为如此，波提切利的《春》才深深地吸引了每一位观者，成为人人传颂的经典绝世佳作
不同的视角，互通的视界，我是魔韵，欢迎同道互动关注交流。
确切的说，我的确被西方艺术大师波提切利的油画作品《春》深深的吸引了，至于画作中有什么吸引人的呢？我们先来简单了解画作所表达的内容吧，《春》在茂密、幽深的树林中，神态自若的美神维纳斯是生命之源与美丽的象征，画作的主要人物是维纳斯，这也是主体，
在她右侧风神欲拥抱春神，衣饰华美的花神正将花瓣洒向大地。值得注意了春神并不是代表画作的题名《春》，因为画作主题所要表达的是生命之源与美丽，而春神只是一个宗教神话人物，这一幅画作并不是宗教题材的画，只是采用了宗教画法，艺术家要表达的是自然景象，
其中“欢悦”“贞淑”“华美”三位女神正在翩然起舞，而其中一位女神则充满爱意地望着最左方主神宙斯的特使墨丘利，蒙住双眼的爱神丘比特引箭欲射的姿态暗示着在这充满生机的春天里，一场如痴如狂的爱恋也正在萌发。很明显艺术家的画作是要讲述春天这个季节，因为春天到处都充满了生机，
意大利画家波提切利的这幅画作《春》创作于欧洲文艺复兴时期，而欧洲文艺复兴时期提倡的是“人文主义”，那个时期几乎所有艺术家的画作都是和宗教题材有关，难免显的气氛太过于庄严了，与其让人们费力的解读“神人合一”的寓意，倒不如直接点去理解大自然来的容易些，真正的“人文主义”就是“人与自然”，
艺术家用静谧的氛围、优美的线条将女性的阴柔之美渲染得精美绝伦。综上所述，这就是《春》的迷人吸引人的原因，不是宗教画，却采用了宗教的表现手法，这种艺术想象力、创造力可谓是前无古人后无来者，这样的画作也正是欧洲文艺复兴时期西方人们最渴望看到的，当然了，也如愿以偿了。
《春》描绘了在清晨幽静的桔林草地上，遍地鲜花盛开，身着盛装的美神维纳斯略带愁容，注视着前方。在她的左边是象征着“美丽”、“贞淑”、“欢悦”的三位女神阿格莱西、塞莱亚、攸美罗西尼，沐浴在森林的阳光之中，正相互携手翩翩起舞，透过轻纱罗衣体现出丰腴秀美的体态，轻盈优美的舞姿节奏给人间带来生命的欢乐。
在位三女神的左侧占有显著地位的健美青年墨丘利（希腊神话中的“赫尔墨斯”，是宙斯和海亚之子）手执神杖，举首仰望，正在用神杖驱散冬日的阴云，好似点化万物的使者，给大地带来春的信息。
维纳斯右侧的一组神像中，西风神泽费洛斯鼓胀着双颊，正粗野地追逐着奔跑着的少女克罗里斯。当口含一枝小花的克罗里斯被俘获的一瞬间，她一跃而变为身着华丽花衫、容光焕发的花神，而她所站立的位置恰恰是奔逃中的克罗里斯下一步将要达到的地方。
在维纳斯的头顶上方，飞翔着的小爱神丘比特蒙着双眼，正瞄准那位贞洁的少女，企图用他的金箭将她引入爱河 [2] 。
创作背景
《春》是桑德罗·波提切利受当时美第奇家族之首洛伦佐·德·美第奇所托，用于装饰他14岁的侄子皮耶尔弗朗切斯科与阿皮亚尼家族的女儿塞米拉姆德的婚房。
《春》取材于文艺复兴诗人安杰洛·波利齐亚诺关于春日爱恋的一首诗：一个早春的清晨，在优美雅静的果林里，端庄妩媚的爱与美之神维纳斯位居中央，正以闲散优雅的表情等待着为春之降临举行盛大的典礼。
《春》除了众神身份得以确认，以及风神花神等故事属古罗马神话外，至今无人知晓波提切利为什么安排他们集中在一起。由于故事性模糊，此画古往今来引来无数解读，莫衷一是 [1] 。
艺术鉴赏
局部图(3张)
《春》表现的是春天里的美好故事，带有浓厚的理想和神秘色彩 [2] 。画作通过寄托于维纳斯的“人性”，表现了风神和克洛莉斯所体现的肉体的爱与三爱神所表现的精神上的爱，以及两者的和谐 [3] 。
《春》虽然是一幅神话作品，却沿袭了宗教画某些传统。波提切利为维纳斯戴上了已婚女性的服饰——头巾，进而暗示主题与婚姻有关。维纳斯头顶之上是小爱神丘比特，丘比特蒙着眼睛射箭，印证了一句西方谚语：“爱情是盲目的”。丘比特箭头所指向的是美惠三女神，她们是维纳斯的花园侍女，分别代表了爱、贞和美，她们正在翩跹起舞。从美惠三女神中间那一位女神的脚底来看，这幅画是应该让人通过仰视去欣赏。最左端站着神使墨丘利，正在用他的神杖驱散冬天的阴霾，表示春天即将到来 [1] 。
技法
《春》使用了最古老的颜料——蛋彩。这种颜料赋予画作梦幻般的迷离特质，蛋彩画的固作剂是蛋黄，如果只用浅肤色作画，会缺乏层次变得一片死白，但是若以深色打底的话，会有半透明的效果。半透明的蛋彩很适合绘制人体，波提切利以更为复杂的技法使用了这种颜料，铅白和蛋彩混合，使质感厚重扎实，比方说在画衣服的网眼背心时用这种不透明的颜料把细节刻画完，这些细节有画龙点睛的作用。其细致的衣纹、极具感官美感的人体和挑战性颇高的构图，是早期文艺复兴时期的极致之作 [3] 。
构图
人物
画中一共九人，横列一字排开，没有重叠、穿插，波提切利根据他们在画中的不同作用，安排了恰当的动作。画中最右侧的是西风之神，他正在追求身旁的仙女克洛丽丝，据古罗马神话记载，克洛丽丝嫁给了西风之神。旁边为掌管花卉的女神花神芙罗拉。画中花神头上、颈上戴着由桃金娘、紫罗兰、矢车菊等编织而成的花环，裙子里盛着玫瑰，以优雅飘逸的步子迎面来，将鲜花撒向大地，象征“春回大地，万木争荣”的季节即将来临。站在画面中央的是爱与美之神维纳斯，维纳斯周遭的橘子树林形成自然拱形，不禁使人联想到置身于拱形之下的圣母玛利亚 。
环境
《春》中出现的上百种花卉植物，繁花似锦，美不胜收。这些花卉植物也并非无凭无据，大多是意大利托斯卡纳地区常见花种：勿忘我、风信子、鸢尾花、金盏菊等，每一朵花瓣都被描绘得细致入微。由此可见，尽管所绘的故事源自古罗马神话，但是波提切利的取材还是来自大自然的 。
后世影响
19世纪中叶，《春》在英国进行展示时，一群年轻而有雄心壮志的艺术
摩纳哥发行邮票家敏锐地察觉到波提切利画中的哀愁，即他笔下的女性似乎背负着沉重的责任，画中的花也似乎永远处在衰败的边缘。他们找的正是波提切利画中的这种弥漫着死亡气味的恐惧，没过多久他们的创作便开始模仿波提切利的画风。如约翰·艾菲列特·米莱斯（1829-1896）的画作《奥非利亚》，画中奥菲利亚衣服上的花，似乎都幻化成了死亡和绝望。
到了20世纪后，《春》开始大放光彩。在那个艺术嘲讽的年代里，《春》中的人物被肢解抽象出来，出现在明信片上 。
1995年，摩纳哥以《春》为背景，发行了小全张艺术邮票，纪念波提切利诞辰550周年。邮票画面取自《春》中的三美神画像。
重要展览
2018年8月至11月，《春》在深圳·红立方公共艺术馆与城市规划馆开展的“可触摸的大师之作—数字乌菲齐展”中展出，画作由“超保真艺术品数字图像系列”技术实现，这也是该作品首次在中国境内展出 。
作者简介
桑德罗·波提切利
桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli；Alessandro Filipepi，1445—1510）是15世纪末意大利佛罗伦萨画家，是意大利肖像画的先驱者。他的风格到了19世纪，又被大力推崇，而且被认为是拉斐尔的前奏。他宗教人文主义思想明显，充满世俗精神。后期的绘画中又增加了许多以古典神话为题材的作品，风格典雅、秀美、细腻动人。特别是他大量采用教会反对的异教题材，大胆地画全裸的人物，对以后绘画的影响很大。《春》和《维纳斯的诞生》是最能体现他绘画风格的代表性作品 [6] 。
你欣赏过最有韵味的女人油画是哪一幅？
说到女人油画首先想到的是莫迪里阿尼，他的女人油画被西方艺术评论家誉为“写在画布上的情书”。
莫迪里阿尼是“巴黎画派”的重要代表，他擅长画肖像和人体。
莫迪里阿尼是意大利人，20世纪初来到世界艺术之都巴黎，在巴黎画画的日子他遇到了强劲的对手毕加索。莫迪里阿尼从小就疾病缠身，在巴黎的画家圈子里又充斥着酒精、da ma,生活颓废，幸运的是在一次写生课上他爱上了一个模特珍妮，他邀请珍妮做自己的模特。
珍妮给了莫迪里阿尼持续旺盛的创作灵感和激情，其中就有这一幅《软垫上的裸女》。
可能与画家本人的长期疾病和精神消沉有关，莫迪里阿尼笔下的人物也大多是苍白和病态的，黑色的凌乱的卷发，尖尖的下巴，人物的造型也扭曲变形，腰部和脖子被拉长。可是仔细观察你会发现，这种变形充满了美感，流畅的线条温柔而富有韵律，精细的笔法，独特的用色都极具个性。
莫迪里阿尼36岁在贫病交加中死去，他的成名是在他去世多年之后。
最有韵味的女人油画
写实油画中的女人，总是让人愿意多看几眼，有些韵味十足的女人油画，令人着迷，甚至愿意花高价钱购买收藏；作为油画爱好者，我欣赏过最有韵味的女人油画是意大利文艺复兴时期，天才艺术家达芬奇笔下的《蒙娜丽莎》。
虽然画中的“蒙娜丽莎”的容貌不如世界第一美女“维纳斯”，但是蒙娜丽莎的身体比例协调匀称，五官端正，眼睛有神又充满神秘的微笑带有亲和力，最主要是蒙娜丽莎有着女人的丰满韵味，说句心里话，骨感的女人远远不如丰满的女人，更受欢迎，
还有一点就是，《蒙娜丽莎》不是一幅裸体画，这让人们给予她作为女人，足够的尊严与尊重，也显示出艺术家至高无上的艺术修养，还是一句心里话，没有哪个人会真心认为赤身裸体的女人是最美的，这是人类几千年来的思想观念，
蒙娜丽莎神秘的微笑，扫除了中世纪以来的忧郁神色，这是画作最有价值的寓意，所以说没有一幅画能像《蒙娜丽莎》那样受到那么多人的喜爱，她优雅的姿态、柔软而光亮的肌肤、缥缈幽远的背景、烟雾般渐次融合的色彩……每个人都可说出她的吸引人之处。更令人着迷的是，在微笑的瞬间，那宁静、高雅、天真而神秘的表情。
记得第一次看到这幅画，还是在湖滨路的外文书店，那时的外文书店，面对西湖，春暖花开。
我在翻阅一本古典主义学院派的画集，里面有一幅库特的《春光》。考特描绘了一个充满盎然生机的春光里，让人沉醉的至真至美的爱情。
看到这幅画，我不禁起了疑惑，这还是古典主义绘画吗？完全没有古典绘画那种令人昏昏欲睡的深褐色，映入眼帘的，是氤氲盎然的各种绿色。
郁郁森森的林中，古木盘根错节，白桦树在绿雾中耸立，蒲公英在细碎的阳光下绽放，鸢尾花悄悄的生长。
白衣胜雪，少女的纤纤玉手，缠绕在男子的身上。男子一袭红衣，在这幽静的森林里，显得那么热烈而富有激情。男子微侧着身子，看向身边的女子，少女含情脉脉的目光，好象一泓秋水，把所有的幸福都洋溢在她的脸上。
远处传来阵阵鸟鸣，两只蝴蝶翩翩起舞。密密匝匝的阳光轻轻洒落，照亮了美丽的少女，微风带来春的骚动，吹起了她的薄纱，摇曳的秋千，发出吱呀吱呀的轻响。
画中有两人，可是在观众的眼里，却只有那个女孩，男子是为了烘托女孩而存在的，他的心思，观众的心思，全部集中在少女身上。男子是否英俊，都已不重要了，我们已经从少女的眼睛里看到了全部的答案。画中的女孩，为爱而生，画中的爱情，韵味悠长。
我们无数次的寻找，只为留住生命中最美好的记忆，我们无数次追忆，可惜那份纯真已经飘散如烟。考特用他细细的笔触，为我们留下一个沐浴在春光里，那个白衣胜雪的女子，和那份至真至美的爱情。
《The Accolade》——Edmund Blair Leighton
这幅无论是主题还是色彩都非常打动我，长卷发、bliaut白长裙、华丽的珠宝腰带、象征君主权威的宝剑和王冠，每一样都很迷人，人生中最想临摹的一幅画，这位女士如果真实存在就好了
《Elisabeth Kaiserin von Österreich》——Franz Xaver Winterhalter
《The Angel of Death》——Émile Jean-Horace Vernet
这幅宗教意味比较浓，特别打动我的细节是黑天使垂在枕头上的翅膀，如果没有这个翅膀尖尖，背后的天使就与前景割裂了，成为一个虚像，而且这种具有威胁感的神秘形象我很喜欢，若整体暗色又太过压抑，中间的金发白裙女士把画面拉圣洁了起来，这种对比太美好了
《The Birth of Venus》——William-Adolphe Bouguereau
局部图。偏肉感的女体真的极古典，连脂肪略多的大腿手臂，髂骨附近的凹陷和微隆的小腹看起来都特别美，一种地母般的慈爱，色调也非常舒服，不扎眼，我挺想拿她当壁纸，但是在公共场合影响不好，作罢
整幅我感觉有点乱，背景的肉体堆叠在一起的，是热闹了但有些喧宾夺主，当然这是我个人审美，全图也给各位附上
到底是大师的手笔
《Lady Godiva》——John Collier
这匹白马很有气质，头身和缰绳的装饰都特别漂亮，画面几乎是暖色，后面的淡蓝紫色的巷子平衡了一下，整体丰富了很多，最后不得不提，夫人的腿真好看
《Angel》——Abbott Handerson Thayer
这个脸完全在我的审美点上，不是特别西化的长相，甚至有些东方美人的感觉，背景的蓝色也是我特别喜欢的蓝
《Springtime》——Pierre Auguste Cot
白白嫩嫩小娇娥，很灵动，薄纱和女体绝配
《Venus and Anchises》——William Blake Richmond
局部图。美神不愧是美神，整个在发光，衬得另一边的Anchises灰头土脸，如下
在20年说起“淡黄的长裙，蓬松的头发”时，我脑子里就是这幅画里的维纳斯，我觉得这是所有穿淡黄长裙的女性形象中的巅峰
《The Shadow》——Edmund Blair Leighton
太可爱了！快看她的红色小蝴蝶结！
《Stitching the Standard》——Edmund Blair Leighton
自然从容的黑发女士。这位画家真的很会表现女性的美，我喜欢的油画也大多出自英国画家之手，华丽古典又浪漫
《Waiting》——Thomas Francis Dicksee
看到这幅画的时候目光一直被头饰吸引，珍珠金丝发网，想拥有
《Letoile Lost》——William-Adolphe Bouguereau
这幅夜空画得非常好，给各位一副摄影作品对比感受一下
相信各位已经数出来了画中一共七位女子，在天上，七个，没错了，我们有理由相信这是西方的七仙女！他们七个星我们赤橙黄绿青靛紫……据我了解，故事都是小七私配了凡人，嗯？小七你怎么回事？
《The Valkyrie’s Vigil》——Edward Robert Hughes
指引英灵进入瓦尔哈拉圣殿的女武神。我一直好奇下半身是阴影颜色没调好，还是那是画的蓝色火焰……不过既是个神灵的设定，我个人还是偏向火焰吧，女武神可以化形为天鹅，看这位的样子估计是刚降落，正准备穿上盔甲
《Night With Her Train of Stars》——Edward Robert Hughes
死亡天使怀抱婴儿带她离去
“嘘，她睡着了”
《Dream idyll（A Valkyrie）》——Edward Robert Hughes
是女武神也是守护神。1902年，画家并没有能坐上飞机，但凭借画笔和想象力创作出这幅瓦尔基里，也展现出了人类对于飞行的向往
《The Promenade, Woman with a Parasol》——Claude Monet
莫奈描绘了他的妻子卡米尔和儿子简漫步在夏日微风中的情景，画面停留在女人转动裙摆被风吹起的面纱的一刻，仿佛存在于脑海深处的温情回忆
《Midsummer Eve》——Edward Robert Hughes
我很喜欢夜晚的神秘，潜伏在黑夜里的，有妖魔，也有友善的小精灵
《Mlle Irene Cahen d’Anvers》——Pierre-Auguste Renoir
小艾琳一头亚麻色的蓬松头发垂在胸前和腰际，她身着淡蓝色洋装，头上带着对应的蓝色发饰，静静坐着看向前方
《Wings of the Morning》——Edward Robert Hughes
宗教，神话，或许是属于成年人的童话
《Sleeping Beauty》——John Collier
爱洛阳光般的金发，白皙如雪的肌肤，美丽得让人不忍惊扰
因为服装很有民族特色，这幅画总让我代入另一个故事，哈扎尔的阿捷赫公主，这位公主为了防止自己在睡觉时被刺杀，每次入梦前，都要让一个瞎子在她眼皮上写下世间最邪恶的诅咒，凡是看到诅咒的人会立刻暴毙身亡。有一天，侍女为了给她解闷，带来两面镜子，一面慢镜，一面快镜，分别照向过去和未来。阿捷赫照了那面慢镜，在镜中她看到了睡着的自己和自己眼皮上的死亡诅咒，随即惨死在了寝宫
《Hylas and the Nymphs》——John William Waterhouse
局部图。海拉斯和水泽仙女。大力神赫拉克勒斯带着伴侣海拉斯去夺取金羊毛，途中海拉斯到林中取水，水中的仙女迷恋于海拉斯的美貌，强行留下了他，赫拉克勒斯痛失男友
《Flowers》——Étienne Adolphe Piot
她好甜！画面简单又温柔，我很喜欢这幅捧花，虽然像素很低但还是把它放进来了，实在找不到更清晰的图不好意思呐
《A Childhood Idyll》——William-Adolphe Bouguereau
情境感舒适感，乡村田园主题加上低饱和度的色彩，我对这种画永远不会产生审美疲劳，布格罗很多画我都喜欢，已经放好几幅了
《Rose》——Frederick Morgan
谁不想拥有一个女儿呢，给她买很多小裙子，扎起小揪揪，戴上小花花，就很美好
《The Piano Lesson》——Francis Day
这幅画让我想起音乐之声里的歌词
女孩们穿着有蓝色缎带的白裙
雪花停留在我的鼻子和睫毛上
银白色的冬天融化成春天
These are a few of my favorite things
《Maid Among the Flowers》——Daniel F. Gerhartz
她像温柔版的艾玛，这幅画挺受欢迎，我见过几个姑娘的头像是它，还有印在手机壳上的
《Spring》——Julius Kronberg
光影非常棒！
《A Girl Reading》——Charles Edward Perugini
也有另一个名字《In the Orangery》
《A Young Girl Reading》——Jean-Honoré Fragonard
《Ophelia》——Thomas Francis Dicksee 《Ophelia》——Thomas Francis Dicksee
《A Blonde Beauty Holding A Book》——Étienne Adolphe Piot
《A Classical Beauty》——Leon Francois Comerre
《La Belle Liseuse》——Leon Francois Comerre
几位正在阅读的女士，手如柔荑，肤如凝脂，女性纤细的手指和手腕很吸引人
《The Abduction of Psyche》——William-Adolphe Bouguereau
如果让我画一个在梦中出现的神仙般的爱人，我会让他身穿白色出现在柔光中，但这幅画使用了黄昏的色调，情侣穿着的是属于夜幕的粉紫色，仿佛刚沐浴过后天色将暗，让一个放松惬意的拥抱更多了暧昧的氛围，爱与欲表现得很干净，整体姿态特别美好，女性形象代表着向往爱的灵魂
《Sleeping Beauty》——Christian Birmingham
这位1970年出生的英国当代艺术家，他的插画水准很高，也很有个人特色，这里就放几张我最喜欢的，但是希望各位去搜搜他其他的作品，很多都不错
《The Princess and the Pea》——Christian Birmingham
对就是那位在20张床垫加20床羽绒被下放颗豌豆结果被硌到全身青紫的公主
《The Little Mermaid》——Christian Birmingham
《The Little Mermaid》——Christian Birmingham
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